【艺术论坛】郭明馥和曾旭关于中国画笔墨和意境的对话

关于中国画笔墨和意境的对话

嘉宾：郭明馥；曾旭

本期嘉宾：左起曾旭；郭明馥

郭明馥：

郭明馥：
我们不是唯传统论，传统精粹之中有些是文化基因，断掉可惜。

曾旭：

郭明馥：

是一种很好的学习方法，无可厚非。因为西方有些艺术家他的思考方式和艺术形态是由他的原创基因构成的。艺术观念或者画面构成能力有他自己的特点。我们接受这个态度，但是还有基因里的东西。如果我们和西方油画比较，还是基因问题无法超越。学画画我们得看美术史，如果光看眼前你是没法理解的，比如画油画从一百年前开始，从李铁夫，徐悲鸿到林风眠这些划时代画家，主张西学东渐，主张去接受西方的文化科学，所以我觉得学习和认识西方传统这个过程已经上百年了。

中国一流的油画拿去和西方的画家比还能感觉到差距。但是看一看大都会博物馆，佛利尔美术馆，为什么藏八大山人，石涛的画，为什么藏很多宋元明清的画。

徐悲鸿《群狮》

林风眠  《荷花》

徐渭（明）《墨葡萄图》

郭明馥：
因为他们是高峰。

曾旭：
因为中国画的意境它是一个最中心的东西，因为这个东西所以你喜欢中国画，你会在笔墨上屈服在这个境界里，所以我觉得这才是属于中国画最精彩的部分，而其他笔墨，构图，色彩实施的过程，但最终目的还是靠近和诠释中国画的意境！

郭明馥：
谈到“笔墨”我觉得还是得顺着中国美术史来看，因为我们传承比较清晰的就是中国画。随然中国画从古到今它和西方也有一个融合过程，但是基因一直保留了下来。

那我们现在来谈笔墨的形成和我对笔墨的一个认识。刚才您谈到的那个境界和笔墨这一块说到您的认识，非常重视境界这一块，我也非常同意，要想把笔墨和境界说清楚就得把中国的美术史稍微梳理一下，唐宋元明清的经典我觉得还是很清晰的，书法到到唐朝完全成熟，宋朝意境已经极其完善了。到后来基本没有什么发明创造了，都是延续或者小情小调了。我觉得绘画和它分不开。所以我觉得绘画能看到的真迹或者能够做参考的作品。论绘画前人曾说“唐画如面，宋画如酒，元明的画基本就是酒对了水”。这个说法，觉得蛮有意思的。宋画是酒，是最纯的东西，宋朝是我们能看得见摸得着的一个阶段。前一段时间去天津博物馆看范宽的“雪景寒林图”，原作。看了之后觉得不过瘾，又把一个复制品放在家里看。他的笔墨，没有矫揉造作的地方，画山也好，画树也好，他画的那个效果就像西方文艺复兴的素描，很朴素，包括他以往的一些作品。他不被造型所局限，不被程式化所局限。笔触太自由了，画的线条没有一点刻板，平铺直叙的画，拉开距离看气象万千。细看，笔笔有趣。而且画面很有层次感，空间感，立体感。宋徽宗赵佶是大家都特别推崇的一个画家，我从小也特别喜欢。他的画就足以传达他的审美标准，是很典型的的工笔画的技法，也是当时宋朝人的一个最高标准吧。他的东西确实有趣味，他的线描，点画，造型，部局都很有意味。味道也是形成境界的一个主要因素吧。他是以笔墨修养为高度一个代表。说他是酒应该是很浓烈的酒。

范宽 （宋）《雪景寒林图》

曾旭：
这说到底就是自然的从生活中来。您打的这个比方特别好就是用酒来比宋代的绘画。酒这个东西是用生活中最常见的东西如五谷杂粮，通过历史的积淀，最后形成了一种醇香的感受，而中国的绘画呢，来源于最基层的人们，然后通过人们在生活中的思考，再通过一些古代先贤们的一些哲学思想，然后在画中体现出来人们对于生存的考虑，对于生命的感悟，所以的话，经过这一层的精神提高之后，绘画就融入了更多的真情的东西。这些东西提升了绘画的品质，增加了画面中的意境，让我们从有限的画面感受到了更多的信息，更多的文化氛围。

张择端（宋）《清明上河图》

张择端（宋）《清明上河图》（局部）

郭明馥：

今天的审美水平和古人真是无法比。所以我们刚才谈宋朝就是谈他的高度，他的标准。说这个高度，这个标准我们今天要达到在创造出来。非常难。去追溯一些遗痕古迹，享受一番也是乐事。但是说你想完全捕捉到当时的气象或者那种能力或者用他的标准来要求今天人的完全不可能。

曾旭：
完全不可能，因为我们的生活背景全部都变了。我们今天从很小的时候所接触到的教育，包括我们所看的书籍，而且我们今天面对的是一个开放的世界性的一个生活环境，我们的身边感受到了大量的信息，我们不再把我们传统的东西作为生命中唯一的知识储备起来，而是见到了各个方面的一些知识和经验。再加上每个人不同的家庭环境，以及个人的好恶，所传达出来的每个人的生存理念都发生了很大的变化。我们面对了更多的选择，所以有的时候可能更多的是了解、体验，而没有太多的时间让我们去思考。

郭明馥：

元朝，元四大家也是各有千秋，对后期的笔墨发展也有很大的贡献，对墨有很大的推动，唐宋呈现的是很严谨的绘画方式。所以艺术发展到这个阶段非理性的一面就逐渐打开了，水墨呈现的偶然效果和个性成分就被激发了。和宋人也有不同的标准。在法必宗宋元的潮流下，很多人在笔墨的传承虽然来源于宋元，但他有自己的特色，甚至是有点破坏性的审美新标准出现了。

曾旭：
这和人的经历和社会环境有关，欣赏他们的人很多，但不会照着他们的画去学，因为你没有他的经历。所以在这个阶段，我觉得像在明清时期，有一些非常有个性，画面中非常，有意境的画家里面，就是有一些我们没有办法去效仿的。比如像徐渭与八大，因为我们真的没有办法去体会他们那样动荡也好，非凡也好，他们的人生经历，因为我们没有他们的人生经历，所以你只能机械的去模仿他们的用笔和意境。有的时候我们可以在临摹作品的时候去体会，他们在作品中所宣泄出来的情绪，但是那也只是被动的。如果我们没有那个人的人生经历，没有那种人生的共鸣的话，你永远不是他，也不可能创作出来那么让人惊心动魄的作品，那么独具个性的笔法、构图和意境出来。

郭明馥：

所以笔墨传统能带给画家某一种灵感，他也会有可以触动你精神的地方，顺着这种痕迹去感受古人境界。生活也不会停留在宋朝。以水墨画的兴起带动笔墨精神的高度，是徐渭，陈淳，石涛，八大山人，扬州画派，吴昌硕，黄宾虹，齐白石这些画家。充分发挥水墨特性，达到笔墨意境高峰的巨匠。

八大山人（明)《荷花游鱼图》

郭明馥：

绘画艺术最主要的看他有没有审美意义，而审美和哲学，科学，传统，观念都有关系。我觉得对文化基因的传承非常重要的。

曾旭：
我觉得中国画是一个非常大的绘画体系，它之所以好，之所以美是因为它包容了很多东西在里面，其实我觉得，没有必要苛刻的，非要对国话讲：它里面必须有传统，或者必须有所谓的现代气息，因为国画应该是一个包容性非常强的，很大的画种，没有办法用一张画能够代表国画的最终的艺术思想与创作方向，我倒觉着国画这个大的体系中，应该有一些不同类型的艺术家的追求。譬如说有的艺术家可以坚持传统，把中国古代传承到今天的技法保留下来，把画面中的文人思想保留下来，表现出带有古代传统文人精神的文人画作品；也可以有一类具有很高的学术思想的艺术家，可以从学术方面，从中西方文化方面，借鉴一些东西引入国画，让国画更加富于世界性与现代感，古代，中国画就是一个包容性很强的艺术形式，我们不但有从古至今，一直传承下来的传统技法，也有受到周边文化影响的一些作品，比如我们在唐代画家阎立本的《步辇图》中看到有表现的西域使节的形象，看到明代以曾鲸为代表的，借鉴西方明暗表现手法的人物肖像作品，我们还看到像赵孟頫在画面中表现了西域僧侣的人物形象，其实这些都在古代非常富有时代气息和创新精神的作品，也希望每个人都可以找到适合自己表现方向，找到自己在绘画创作中的位置。

郭明馥：

天津博物有一套八大山人的册页尺寸很小，笔墨非常精彩。就是非常小的画，花鸟非常传神，造型很有趣味，虽是简笔写意，可是表现力强，意境很深入。

曾旭：

是的，一张画中，不在面积大小，而是画家能够很精致的去表达非常细致的画面，我觉得这是一种态度。同时我也觉得古人画大画的真不多，当然我说的是那种只有气势而空洞无物的大画。

郭明馥：
大画也有，范宽，他的大画就非常有气魄。

曾旭：
像宋代元代之前画大画的很少，没有那种炫耀的。现在好多人画大画都有一种炫耀，耍笔，动辄就几米，十几米，甚至几十米的大画长卷，这样的人现在真不少！这个和古代真的不一样。您看像北宋王希孟的那幅《千里江山图》，虽然他也达到了12米长。但是画面中所有的细节精微到了极致，每一个人物也就不过才几毫米一点点，但是，画的极其精微。我上学期带学生和我们区的老师临摹了《千里江山图》的局部的时候，我就发现虽然人不过只有几毫米的样子，只是很小的点点出来的样子，但是，你细看他的面部和头发的形象还是交代得十分清楚，，身子动作，包括服装的样式，都非常仔细的进行了刻画，包括人物穿着的衣服样式和颜色的变化，所以我觉得这个古人画的大画，它虽然气势很大，但是细节也是非常精到的，就是任何一个细节他都不会说轻易的放掉。我觉得这个其实看出来是古人对创作的一种自我要求，也体现出执着的精神，尺幅很小的作品，但是也可以咫尺千里的去进行表现，作品很精微，充满了变化，充满了来自生活的灵感。

王希孟  （宋)《千里江山图》（局部）

郭明馥：

今天能见到的古代绘画作品，也有差别。像明朝“浙派”吴伟，戴进这些画家，就是把宋代北派画风世俗化了。你说要找最高境界有，您看八大山人的画，笔墨的这种空灵这种韵味形成您说的那种境界是非常明确的。没有那些啰嗦的东西。他的这种画就是在他情绪非常自然的情况下完成的。画的所有东西笔墨都是他的本能，想怎么画都成。

曾旭：
也是带着他的体会去理解他的作品，比如这张画更能代表他的人生经历。

郭明馥：

你比如说我十岁的时候看到一张画很喜欢，但是不知其所以然，只是感觉好。后来会随着时间积累，人生的阅历曾多，见得越多越广之后，你再分析它，如果感受依然如初，这就有意思了。有些画你刚看到的时候会觉得很好，但是你一段时间之后这个感觉消失了。所以我们说的这些画家宋代的也好，清代的也好，就这些好的画家他的第一感觉和最后的感觉是一样的，就是初心和你反复训练之后的态度还一样，这个东西就非常高级了，这是我的一个体会。

齐白石  《他日相呼》

郭明馥：
这个因人而异吧，我说的只限于我个人的感受，不是说所有人，甚至有人永远不接受这些。

曾旭：
所以我现在渐渐明白了为什么画国画人要上一定年岁才能画好，有了一定的人生经历，画中才会体现出更多的情感。我觉得这个说法可能在写意画中更加明显一些吧。

郭明馥：

齐白石，七十多岁的作品的艺术水平和九十多岁还是有极大差距的。时间长就允许他又跨一大步，升华。这个就是您说的他通过不断的积累，不断的提升，才形成了他后期的那个效果，他九十岁的作品就很高级了，这就是一个天意吧，当然也不是所有人有人活到九十岁都有这成就。

曾旭：
而且我觉得很有意思的一个现象，这个也打破中西方的界限了。像莫奈年轻的时候画那些关于光线的作品，像著名的《日出印象》、《卢昂大教堂》等等一些作品，那些作品有的时候为了表现稍纵即逝的真实的光影色彩，所以必须在限定的时间，限定的角度来完成，可以说莫奈在画这一系列作品的时候呢，几乎是不能有个人的情感因素在里面的，画家在画面中只是一个如实记录色彩，记录光影的这样的一个作用。但是我们很多人非常欣赏莫奈晚年的作品《睡莲》系列作品，是因为莫奈在晚年因为眼睛的问题，他的很多作品融入了很多个人的情感，很多个人的色彩，所以他表现的就不再是没有个人情绪的东西了，而是对睡莲的印象，对睡莲的情感，对莫奈花园的一种情绪的表达，而这些东西恰恰和中国画中的意境，又不谋而合了。所以，我觉得，至少像我更欣赏莫奈晚年这些用心而做的这些油画作品。所以我觉得，从这点来讲，中西方有很多共同的地方。

莫奈《卢昂大教堂》

莫奈  《睡莲》

郭明馥：

莫奈的境界实际上是很高的境界，包括莫奈也好，毕加索也好。您看这些就它的那种微妙它是有体察的。生命力打开了。它绘画是有生命力的，颜色，用笔都是活的。中国画的笔墨也是具有生命力的。“陈淳”以有生命力的笔墨写物之生，的很高级的。它总让你着迷。

嘉宾作品欣赏

曾  旭

《印度新娘》

《白虎星君之虫灾》

曾旭艺术作品欣赏

郭明馥

《肖像》

《境界》

郭明馥艺术作品欣赏