早期师从湖北著名花鸟画画家李国俊，毕业于中国书画艺术学院

先后就读于中央美术学院国画系

北京画院莫晓松工作室

中国艺术研究院研究生院

工笔重彩蒋采苹工作室研究生课程班

郭继英工作室

2007年9月考入中国艺术研究院、郭怡孮花鸟画创作高研班

现为职业画家

2008年作品　《虚心高节》入选首届中国画线描艺术展

2008年作品　《凝香》、《花香袭人》入选郭味蕖先生诞辰一百周年全国花鸟画名家学术邀请展

2008年09月　作品《奥运春风》获全国第七届工笔画展优秀奖

2009年04月　作品《舞》获微观与精致第二届全国工笔重彩小幅作品优秀奖

2009年06月　作品《惊艳》参加继往开来-蒋采苹从教50周年师生作品展

2009年07月　《瓷玫瑰》入选中国画作品展

2009年08月　《神系滇疆》入选第十一届全国美术作品壁画作品展 （集体创作）

2009年10月10日参加中日韩三国首脑会议中，首届“意象东方”中日韩水墨画展，代表中方参加此次活动，且中日韩三国女画家共绘作品《傲雪迎春图》被文化部收藏

2009年11月16日至23日参加韩国光州亚洲文化艺术家学术交流活动，作品《映红》《蝶舞翩翩》被光州美术馆收藏。

2010年10月　《金色年华》入选上海世博会中国美术作品展览

2010年11月　作品《凤凰涅槃》参加《重彩-创造》中国重彩画获奖作者作品展

2010年12月　《盛世昌隆》获全国首届现代工笔画大展优秀奖

2013年03月　《金色年华》入选中国画学会《第一届全国中国画学术展》

2013年06月　《玉树迎风占早春》入选首届全国中青年花鸟画提名展并获优秀奖

2013年07月　参加“新多元主义和后东方主义的合璧”为主题的“中关村画院海外巡回展—东京站”

2014年02月　《春之韵》女画家在大千画廊美术馆联展

2014年03月　参加“今日丹青”当代工笔研究系列展

2014年03月　参加“巾帼凤仪”中国当代女画家邀请展

2014年04月　参加第四届中国画节特邀展

2014年04月　参加纽约联合国总部举办的“联合国中文日书画展”

2015年06月　作品《花团锦簇》在中国美术馆参加“美丽中国中国重彩画展”

2015年10月　参加《山东画廊》中国韵-庆中新建交25周年艺术作品展览

2016年参加　G20杭州峰会其作品《睡莲》被陈列展览和收藏

2016年参加　全国工笔画名家学术邀请展

2016年11月　参加中国美协、人民网主办“永恒的旗帜”纪念红军长征胜利八十周年书画展

2017年05月　参加五月墨香——当代著名女画家九人作品展

2017年05月　参加七人行书画作品展

2017年06月　代表北京女画家参加“为了一片蓝天”环保主题展

2017年07月　参加“不忘初心，继续前进”中国共产党建党九十六周年主题书画展

我的自然主义

——文/黄晓芬

一直以来，我总认为“天人合一”这一绘画领域中最高境界，是个伪命题，因为他根本不存在。人是生活在宇宙中，是宇宙的一部分，他的每一种行为、每一种思想、每一种创造都是与宇宙合一的。因为他就生活在宇宙中，所以不管你怎样，你都不会脱离宇宙这个范畴。是的，人与宇宙原本就是合一的，这就是老子书中所讲的那个“浑沌”吧。

拉回到我的创作，我之所以画这种画，有这种创作思维，也是自然的。本身也就是天人合一的一种表现。每个画家，都是随着眼界的扩展和精神张力的改变，而在不断修正着自己的作品，越来越使其升华、进步。不重复别人，自己创作才是天人合一的表现，才是自然的，才能形成人类文化的行动轨迹。我们的先人们，不是在不断的创作、不断的创新而延续吗？自然的创造，发挥自己的个性，就是天人合一。

我们存在于宇宙当中，生活在大自然里，山山水水，城市乡村，都是自然的。我们的创作也是自然的，所以不要苛求我们的作品要达到什么境界。画自己的画，让我的作品表达、表现自己的个性，这就是自然，不是吗？

我对“随类赋彩”的理解

——文/黄晓芬

我什么画都画，但情有独衷的还是工笔花鸟，我曾写过一篇《激活“丹青”》的文章为工笔重彩呼吁过，因理论界有重写意轻工笔的现象。

虽然水墨是中国画的主调，但中国画并不以水墨而足，历代中国画家都非常注重对色彩的研究与应用。明代画家文征明指出：“余闻上古之画，全尚设色，墨法次之，故多青绿。中古始变为浅绛，水墨杂出。”黄宾虹先生说：“盖画法是先有丹青，后有水墨。”可见，色彩对于中国画并不是从属的点缀，而是历来就处于重要地位的。自古以来人们就把中国画称为“丹青”。丹为朱，青属蓝，“丹青”是泛指色彩，引申而为中国画的代称。一中国画的设色是以表现物象的固有色为主旨。所以它基本不考虑光源色或环境色对物象固有色的影响因素。南北朝时的谢赫在《古画品录》中提出了“随类赋彩”的设色原则。其中的“类”应是指“对于被描绘的物象”，而“赋彩”自然是“运用色彩”，其中当然也包含主观运用色彩的意思。南朝的宗炳在他的《画山水序》中提出“以色貌色”的设色理念。意思是以施于画面的彩色来貌取（表现）画家感受到的客观物体的固有色。艺术的实践，离不开对于理论的认识。中国画家对于色彩的性质，如对三原色、间色、复色、对比色、色相色阶、冷暖调子等等的认识与西方色彩学相关论点都是一致的。但是在设色实践中又另有其特点。中国画的设色虽然是以表现物象固有色为主导观念，但在其设色实践中又并不是机械的去模仿固有色的“逼真”，而是以创作的整体思路和对艺术美的追求为设色的最高原则。

二中国画所用的颜料有植物类和矿物类两种，其使用性能并不相同。尤其不宜多色反复调配，否则颜色会变的灰暗混浊而失去光彩。画家在设色过程中，对不同颜料的性质差别当然有所考虑。其运用色彩的原则是在单纯中求变化，在对比中求调和，在浅淡中求厚润。清代恽寿平在《南田画跋》中说：“俗人论画，皆以设色为易，岂知渲染极难。画之着色，火候稍差，前功尽弃。”国画施色中的艺术夸张性，往往突破以物象固有色为主导的设色原则。但大量使用鲜明纯正的原色和强烈的对比色难度较大，如功夫欠缺则很易出现火、花、浊、滞、俗等等设色弊病。然而，有经验的中国画家通过落墨、设色却能使画面很好的统一协调。究其原因，这与中国画大量运用墨色和留白的技巧大有关系。其中，除去掌握好冷暖调子的谐调之外，强化墨色的运用技巧尤其是关键所在。墨色是极色，属于中性，它对色彩块面的中和、调解作用十分突出。墨线对色块的分割和渗化加之恰到好处的留白，会使画面产生出色彩斑斓、气韵变幻的色彩效果，而这一切会使画面很自然的处于统一和谐之中。这就是中国画家运用传统技巧和特殊的材料（白的宣纸、黑墨和颜料）所演化出的神奇的画面效果。这也正是中国画所独有的艺术特色。

而中国画具有“尚意”的传统。唐代张躁讲的“外师造化，中得心源”早已是中国画家们的千古名训。画家所画之形即为其心源之形，而其所设之色亦必为其心源之色。可见，国画的设色在表现物体固有色的同时，更注重反映出画家的艺术风格和感情的色彩。

绘画作品乃是画家内心世界的展示。夸张的造型，奇异的色彩，皆源于画家对生活的主观感受和对艺术的概括。有的画家用朱红颜色画青竹；有的画家用黑墨表现花的绿叶甚至多彩的花朵；有的画家喜用雅致的墨青，有的却爱用热烈的大红。有人以为用纯正的大红作画为俗。然而齐白石却往往用大红与黑墨对比作画。如他画的大红辣椒配以水墨画的白菜就显的非常谐调。还有大红的荷花与水墨的梗叶相配亦很雅致。可见，设色得当，俗亦可成雅。 故用色与用墨同样重要，同样可以表现 而中国画具有“尚意”的传统。