教授；硕士生导师

贵州师范大学中青年骨干教师

06-08连续三年被省人事厅评为优秀教师

2011年获黄如论优秀教师奖。中共党员

1984年毕业于西南师范大学美术系，中国画专业

现任职于贵州师范大学美术学院

2005-2006年在中国艺术研究院研究生蒋采苹工作室做访问学者

贵州省文史馆特聘研究员

贵州省服装鞋帽协会常务理事

贵州工笔画协会副会长

贵州女画家协会副会长

北京工笔重彩画会会员

创作中

2019年担任湾区珍藏.亚洲水墨画展评委

2019年策展主持《在大觉精舍的岁月》王瑛工作室教师学员工笔重彩画展，及同名画册

2019年论文《用柔性力量铸就爱的梦想》入选首届贵州女性主题论坛论文专辑并主题发言

2019年作品《龙的传人》人选国家艺术基金《乡愁记忆》画展

2018年作品《嘎乡》入选第四届全国高等师范大学联盟画展及同名画册

2018年《苗族古歌》12张系列组画和《蝴蝶妈妈》连环绘本8幅入选《多彩贵州民族特色文化画卷.苗族卷》

2017年由西南大学出版社出版《王瑛花鸟线描写生集》

2017年为北师大艺术与传媒学院陈一丹基金项目《归流》做《苗族古歌》研究报告

2017年策划《大觉雅集。第一回》七人小品书画展，并参展

2016年作品《丰收舞》特邀参加第二届《柔性的力量》画展并入选同名画册

2016年在贵阳大觉精舍策划《从零开始》小幅工笔重彩作品展

2016李晶著《贵州文化三部曲—第三部柔性贵州》专访之（王瑛魅力女人）

2016年《精彩贵州人》王瑛：十年磨一剑绘古歌由贵州广播电视台6频道播出

2016年《苗族古歌音画》讲座及相关报道文章发表在贵州省委、省政府权威信息发布平台，贵州日报官方客户端：今贵州

2016年，作品《丰收舞》、《醉语空山》入选第二届全国师范大学美术教育论坛及教师作品展和画册

2015年在219广场策划《向经典致敬》写生作品展

2015年指导学生毕业生辛汉明作品《伏季休鱼》获得金奖

2015黔灵毓秀.青春艺术

2015年作品《奇花幽香》《九子图》参加全国师范大学美术教育现状与发展研讨会及美术作品展

2015年作品《春江花月夜》特邀评委贵州省中国画艺委会专业画展

2014年JEFF中、日、美、韩四国联展，韩国大邱市奉山文化馆

工笔重彩组画《苗装》两幅，被英国牛津大学彼得雷福斯博物馆收藏

《苗族古歌》是从多种出版物中精选出来的创始史诗。

他们以宏大的规模、丰富的想象，叙述了苗族先民所设想和追忆的天地日月形成、人类万物起源已经古代的社会生活。通过它，入门不仅可以了解到苗族早期的哲学思想，而且可以了解到苗族古代的农耕生活、婚姻丧葬已经民族迁徙。它们是苗族古代的“百科全书”也是苗族人民经过千百年熔铸的艺术珍宝。而蝴蝶妈妈（苗语称为“妹榜妹留“”）她作为苗族史诗中创世神之一，自然有其值得传颂之处。

         ----摘自《苗族古歌》贵州人民出版社

很久以前，还没有人类。秋天到了，群山如染，枫叶似火。一枚七彩枫叶，飘飘零零，竟变成了一只美丽的蝴蝶。

小蝴蝶没有伙伴，她来到小溪边饮水、映照自己绚丽的衣服。小溪暗暗喜欢这个姑娘，每当她来映照，溪水就突然变得温柔而平静；每当她孤单独舞时，溪水就叮叮咚咚地奏响音乐……时光荏冉，蝴蝶与小溪相恋成了亲。

蝴蝶生下了十二个蛋，她请鹡宇鸟帮忙孵蛋。从蛋里相继孵出人类的祖先姜央，还有雷公、龙、虎、蛇、象、猴、牛等十一个兄弟。蝴蝶成了大家的“蝴蝶妈妈”。

蝴蝶妈妈希望大家和睦相处。但兄弟们长大了，相貌、性格、能力都不一样。矛盾渐渐多起来：老虎因为力大欺负人，姜央用智慧来捉弄大家，猴子力量不行就小偷小摸后急速躲藏，蛇无声无息地咬上一口钻入地下……妈妈见了，担心但又无奈。

一次，脾气暴躁的雷公被欺负后丧失了理智，勃然兴起雷电雨风。蝴蝶妈妈年龄大了，无力阻止，忙请鹡宇鸟衔了颗种子给姜央，让他马上种下。种子在风雨中一夜长成很大的葫芦。天亮时，洪水暴发，姜央把葫芦做成船，漂流在洪水之中。听到蛇、猴、虎等兄弟呼救，他不顾自身安危，一一援手相救。

突然，前面出现一道万丈深渊，洪水猛烈地把葫芦抛向绝境，人和其他动物命运危急，将万劫不复。蝴蝶妈妈不顾年老力衰、翅膀残破，在大雨滂沱、雷电交加中，用最后的生命托起正坠入深渊的葫芦。兄弟们得救了，蝴蝶妈妈却力竭而亡。

见妈妈死了，雷公震惊了，姜央震惊了，老虎震惊了，所有的兄弟们都痛苦、后悔。他们流着泪反省自己：只顾自身，不顾及其他兄弟们的心理和利益，最终导致了灾难。大家发誓从此过好自家的同时，还要念及别人的情感和要求，并保证永远和谐相处。

在兄弟们的泪水、反省和盟誓中。蝴蝶妈妈复活了，而且，恢复了年轻时的健康漂亮。她为兄弟们的觉悟而欢欣，在天上翩翩起舞，永远用她的美丽号召和祝福兄弟们：各美其美，美人之美，美美与共……

王瑛：游于艺志于道

文/李姗

当人们指责现在的艺术家放弃思考，既彻底遗忘历史，也不向往未来，而沉溺于日记化、私人化、本能化、感官化表达的个人小趣味时，王瑛却沉寂贵州画坛多年，潜心打造创世纪的史诗——“苗族古歌系列”力图使其成为贵州的文化名片。

作为贵州工笔重彩材料技法的开门人，王瑛独辟蹊径，选择鲜有人涉猎的苗族古歌作为创作题材。这不是为了刻意追求与众不同，也不是为了名利而剑走偏锋、险中求胜，只是因为热爱、感动和良知。

苗族要有文化自信

“苗族古歌系列就是苗族古歌系列！我不希望以后别人在推介我作品时将其称为东方的‘神曲’。”王瑛固执的坚持，让人体味到她对苗族古歌的虔诚，以及对苗族文化的崇敬，鲜明地区别于多年来被人们所诟病的那样一种画家——以无端优越的民族心态俯瞰少数民族，带着猎奇思维，进行走马观花的采风，作品表达流于形式、媚俗、讨好，却不触及少数民族文化的精神内核。

在教学中，她发现很多学生都耻于承认自己是苗族，“他们说苗族多土啊，口音又难听。”这让她感到悲哀。在长年的采风和研究中，王瑛觉得，苗族有着自己独特的文化精神气质和文化特征，很值得深挖。

王瑛笃信，文化绝对没有好坏优劣之分。苗族必须要有文化自信，况且苗族古歌是那么美的东西。世界是平的，当下发掘苗族古歌魅力的关键在于如何在全球化的语境下进行自我表达的现实转换。

选材上，她认为，描绘少数民族的生活不能仅仅停留在目光所能及的地方，“不能再让人觉得苗族只有节日，没有文化。我的绘画所要表现的不仅仅是眼睛看到的东西。”这是王瑛对自己的要求。于是苗族古歌里的蝴蝶妈妈、美丽的娘阿莎、姜央战虎等形象在她的妙笔下复活，迸发出鲜活的生命力，在浓墨重彩中将苗族古歌里的神话传说娓娓道来。

国内有学者如此评价其画：“王瑛笔下，线的起落、韵律、虚实轻重、提按转折、抑扬顿挫，体现出画家的心性和气质。”

“画家应该站到一个高的点上”

当人们指责现在的艺术家放弃思考，既彻底遗忘历史，也不向往未来，而沉溺于日记化、私人化、本能化、感官化表达的个人小趣味时，王瑛却沉寂贵州画坛多年，潜心打造创世纪的史诗——“苗族古歌系列”力图使其成为贵州的文化名片。

敦煌绢画《引路菩萨》的丰神绰约也许会引发你了解更多唐代女性装饰的兴趣，《洛神赋图》的传神写照可能会唤起你了解曹植与“洛水女神”之间的爱情故事的冲动，那么从苗族古歌系列里，王瑛则希望观者透过画了解苗族古歌，感知苗族万物有灵、生命神圣、众生平等、人与自然共存共荣和谐发展的哲学思想，并引发进一步了解苗族了解贵州的愿望。

由赏画而触发对一件事、一个地方、一个民族、一段历史的兴趣和关注，王瑛认为这才是绘画的高境界。“我觉得画家应该站到一个高的点，对观者的心理期待不仅仅是欣赏绘画本身。”

同时，王瑛深知想要企及这样的高度，需要做出怎样的选择与取舍。有舍才有得，而这一点也是面对记者时王瑛会不好意思谈及且轻描淡写带过的，记者唯能从蛛丝马迹中窥见出一点端倪的，除了那一垛垛堆叠成山的研究资料，便是那早已被辟为画室，名存实亡的 “三无”（无电视、无沙发、无茶几）客厅了。

目前，苗族古歌系列12幅已完成一半，并收入中国艺术研究院出版的画集《游于艺 志于道》，王瑛采用了墙内开花墙外香的迂回战术推介自己的作品。创作还在继续，她在等待一个机会，希望苗族古歌系列能配合多彩贵州被推介出去。

“人要有理想，有些人活得很现实，有些人则仰望星空，每个人的追求不一样。写入美术史的人不一定都是有名的，关键是你为历史增添了什么，而我能为贵州做的一点点事情就是把苗族古歌变成自已的作品，用我的作品诠释苗族古歌。”

话听起来通俗浅白，甚至你还可能觉得似曾相识。但不可否认，这个女子选择以艺术的方式影响社会，确实体现了知识分子的社会情怀和人文关注。这样的人被称为有担当的艺术家。

原载于《当代贵州》杂志

《打柱撑天》

王瑛随笔

打柱撑天是我《苗族古歌》系列组画之一，也是我组画最后完成的一张作品。

一部《苗族古歌》的文字我苦苦肯了三年，12个章节的重要情节烂熟于心。在描绘这部宏大叙事的古歌最初我没有按照它的顺序来进行，而是按照最先从我脑海里面形成的画面来决定绘画的顺序。于是《山灵之舞》、《蝴蝶妈妈》、《美丽的娘阿莎》、《战虎图》、《跳花坡》、《神牛图》、《蚩尤》、《接引之门》、《渡大河》、《开天辟地》、《运金运银》、《打柱撑天》。仿佛冥冥之中有神在指引我，《打柱撑天》的画面效果最后才思考成熟。按照《苗族古歌》原有的顺序《开天辟地》和《打柱撑天》是最前面的两幅。可是当年我怎么想都想象不出《打柱撑天》的构图。它的内容异常丰富，光宏大叙事场面带来的内容取舍就是一件颇费脑筋的事情。画什么？怎么画？

画什么

按照一般理解，《苗族古歌》组画最好是按照文字的内容去描绘比较容易被理解。可是，我在想，人类文明已经发展到了今天，古歌描述的内容有的已经可以被科学解释，可不可以加入一些现代科学元素和哲学的思考作为我《打柱撑天》的补充呢？中国画所强调的心象到底是什么呢？那些不可视的东西是不是就是体现绘画精神的东西呢？比如思想、哲学、文化等等元素如何在画面中体现出来呢？还有，《打柱撑天》的柱子怎么去表现呢？原作里面写的是三个古老的巨人带领苗民祖先分别用金、银、铜、铁打造了四根参天大柱将天地分开。绘画作品对文字作品最好的诠释就是意会。艺术表现不能就事论事，谁看见过这四根柱子？这不过是古代先民在当时的认知世界里金银铜铁是最坚固的物质代表了。比如：1.古歌形容高大的人是腿上长着9个关节的。（这肯定不是事实，但是，九的数在中国哲学文化里面代表的是与“多”、“高”、“复杂”有关的观念。）2.天是方的需要四根柱子支撑。（科学已经证明了天地是圆的。它也是一个表现支撑的观念。）

我在想，这两个都不是真实的事件怎么用绘画去表现呢？绘画里面有叫“观念绘画”的。我能不能使用观念将这幅画的内容支撑起来呢？在我的绘画审美世界里还是不能离开具体的形象来言说。而《打柱撑天》，文字就够难让人理解的了，那么老长老长的文字叙述繁复得让人想放弃阅读，因此，我决心尝试用绘画的可视性来再现这一宏大的场面。我们传统的绘画里面不乏用观念来言说表现的。比如荷花，就是典型的观念性绘画。虽然眼睛在欣赏荷花，但是心里往往是欣赏历代先贤赋予荷花的种种寓意，这种寓意就是一种“观念”的启迪并带给我们种种的心理联想和感情的抒发使得视觉之物有一个心灵的归处。这是我理解的观念。这样我就想通了一个问题，既然《打柱撑天》里的柱子代表着坚固和和永恒，那么世界上还有什么物质比金银铜铁还要坚固的？我思考了好几个月也不得要领，痛苦啊！

有一天，去学院办公室取资料，有同事说自己最近腰椎间盘突出，坐也不是，站也不是，好恼火啊！我大吃一惊，现在的年轻人整天与电脑为伴，活动得太少了，不腰椎间盘突出才怪呢！脊柱多重要啊，出点问题弄不好就要瘫痪的。回到家看到画板灵感一下子就出来了。可不可以将金银铜铁换成人的脊柱呢？……果然效果不错！可是画面只容得下两根柱子，再多就难看了。想一想，天都不是方的还在乎4或2的数字吗？只有意会到了才有可能真正与美的观念相通。在描绘《苗族古歌》之初我就给自己定下了要创造性地描绘自己所理解的古歌，我的图画要与文字结伴而行，你中有我，我中有你。

可是，上颜色的时候问题又出来了。那两根柱子怎么看都欠缺点什么，这样又停滞不前了。这时候恰好带学生去贞丰县写生，期间去看了红岩壁画，（据说可以追溯到6000年的历史）看到那些壁画，我得到了巨大的启发，与山河日月同在的还有人类的文明历史啊！脊柱的坚固是物质的，人类文明的历史是精神的。好呢！这下物质精神都有了，心情别提有多高兴了。接下来就是如何表现天雷地火之中铸造生命的奇迹了。宇宙最初的生命形态是各种元素的组合，科学的发展使得这些元素可以用各种固定的颜色来代表，而这些元素和颜色的组合图片得益于儿子订阅的《环球科学》杂志。画快要结束的时候有学生来看画，大家异口同声的说道：“王老师真行，您的中国画好有科技含量啊！”我开玩笑说：“中国画也要与时俱进嘛！”

怎么画

中国画最早称之为“丹青”，言下之意就是有彩有墨。喜欢最早的马王堆帛画，虽然描绘的是墓主人的生活，但是不乏形而上和观念性的表达。这样的场景还真不是我们眼睛所能看得到的，它不正是观念和文化精神的体现吗？纵观我们的绘画史，为什么我们的绘画越来越没有想象力？这个问题在照相机发明以后的西方美术史里面尤其显得突出。由此引发的现代绘画变革与各种思潮的产生是必然的因果关系。但是，绘画在眼中之形被照相机取代之后，该往那里去呢？支离破碎的形体怎么去支撑绘画的观念和人们的想象力？这有点像我们现在城市建设中无处不在的“拆迁”运动。林徽因曾经愤怒的说：“你们今天拆掉的是真古董，将来建造的都是假古董。”可能这话用在绘画上面有些过头了，但是对于西方现代绘画的许多以肢解形体为目标的观念和主义我不一定都赞同。我个人还是愿意留在形像的审美世界里，我愿意背负着视觉形象的十字架艰难前行，它就像我们人类的肉身一样，不管你喜欢也好，讨厌也罢，他都要承载人类的思想和精神以及种种的善和恶。

《打柱撑天》的绘画方式一定要在回望历史的基础上寻求观念、图式、内容、技法和审美的突破。首先、回到“丹青”。在中国画里面“丹青”代表着心理的转换与寓意，古时候人们将天地的颜色归为五色，分别对应不同的方位与人的五脏，同时天地变色还是改朝换代的预兆，可见色彩的重要性，世界上每一个物体都有它对应的颜色，一个多彩的世界非得要被黑白统领吗？我得试一试将中国画极具观念的色彩学理论用于《打柱撑天》。三个古老人我用了象征人类科技文明开始的颜色——青铜。自从人类在大自然中获得了青铜的铸造技术之后，科技与文化、宗教与国家、民族与战争就开始伴随着人类历史的发展。因此，从这个意义上来讲，一部《苗族古歌》，一幅《打柱撑天》的视觉审美已不是专属于特定“中国画”的范畴，有些东西是属于全人类的。比如：对宇宙诞生的通识——起源于浑沌；女人诞生于水中；人与自然的斗争与共处；巨人与大洪水……等等。这些在苗族古歌里面都有对应的阐述。相信基于这样的价值认同的画面一定会产生相对范围的认同和影响力。我认为绘画的根本问题不是画种和方法的问题，而是审美价值的共识问题。乔托、达芬奇、波提切利、德拉克洛瓦、伦勃朗、委拉斯凯兹、敦煌壁画、伊朗细密画、日本浮世绘……等等在世界范围内获得了那么多人的顶礼膜拜，难道仅仅是画种和技法的问题？因此，在选择怎么使用色彩的问题上我力求用中国画特有的色彩观念去与世界沟通。其次、在中国画特有的线条、笔墨造型的基础上打破工笔画和写意画的固有界限，根据画面和内容的审美需要自由转换。（它们原本就是一家人嘛！兄弟之争难道还要头破血流不成？！）

现在这个时代是一个注重交流与沟通的时代，我相信中国画会在与世界的交流与沟通中获得新的发展活力。我希望中国画在自身的发展中能够海纳百川，用自己一颗包容之心去与世界真诚对话。

颜料、笔墨、纸张、胶与矾共同构成了中国画的基本要素。中国画的颜料使用技法大全比较集中体现在我国的四大壁画里面。在俄罗斯东方博物馆亲眼见到伊朗细密画的时候看到那勾线、那着色的画面差点以为是唐朝的工笔重彩画。想一想也难怪，尉迟乙僧、曹仲达等不就是西域画家吗？中国画向世界学习并且接纳世界的胸怀那里去了？唐朝怎么可以接纳他们的绘画呢？唐朝人为什么就不担心他们会将中国画搞得不纯粹了呢？回望那时的绘画怎么那么神采飞扬？这样的问题一个接一个地被提出来，让我一下子有堵得慌的感觉。再看美术史，我坚定了自己的想法，决心画自己心中希望得到的画面效果。坚持用矿物颜料兑胶水这一古老的方法作画是基于看到敦煌壁画和伊朗细密画历经千年不变色的事实。虽然自己的画不是什么名家高手的佳作，但是对画面色彩品质的追求我是很讲究的，好的颜料本身就能够唤起人的欣赏欲望。

笔墨、

笔墨是中国画绕不开的话题。我们学习线描的时候就有十八描的说法，可是渐渐的仿佛只见钉头鼠尾描了。《打柱撑天》这个画面构成可不是钉头鼠尾一种描法能够驾驭的了。怎么办？只有打通工笔和写意的界限笔墨表现才能够随心所欲。这方面的尝试我用小幅画做了一些实验，效果还比较理想。

纸张、

中国画的纸张分生、熟两大类。一般熟纸用于画工笔，生纸用于写意。《打柱撑天》画面巨大。火焰可以用传统的勾勒法完成，但是大气、巨柱若用线描表现就会失去生动感和力度感。为了将精细的描法与生动有力的笔墨表现能够统一起来，我选择了生纸。生纸要先裱在画板上，为了避免作画时因修改画面反复使用橡皮的损害，我将两张丈二的生纸托裱在一起作画，有了浆糊的依托，生纸会变成半生不熟的，……